Lorsque je regarde ma carrière musicale, je constate qu'elle a été longue jusqu'à présent. Plus de 10 ans dans l'industrie. J'ai tout fait : travailler avec des artistes, sortir des albums instrumentaux et travailler avec de grandes entreprises de technologie musicale.
Tout au long de ce parcours, j'ai beaucoup appris sur le secteur. J'ai aussi vu beaucoup de changements. Voici cinq leçons clés que j'ai apprises et qui sont extrêmement utiles pour l'espace musical fou d'aujourd'hui.
1. Cesser de précipiter le processus créatif
Dans le monde d'aujourd'hui, il est si facile de tomber dans le piège de la précipitation. Nous vivons dans un monde où tout va très vite. Nous sommes constamment assaillis de distractions.
En conséquence, presque toutes les industries (en particulier la musique) ont adopté ce processus qui privilégie la quantité sur la qualité.
Tout le monde veut spammer et déposer plusieurs pistes, plusieurs produits, plusieurs éléments de contenu en permanence. Et ce n'est pas notre faute. Avec les médias sociaux et le vaste accès aux ressources, tout le monde s'attend à plus pour moins.
Mais la vérité, c'est que dans un monde où la quantité est omniprésente, la qualité est ce qui ressort vraiment. La qualité est ce qui dure toute une vie.
Un seul titre de qualité peut changer votre vie rapidement, au lieu de vous épuiser à multiplier les projets sans lendemain.
Très tôt, j'ai pris l'habitude de précipiter la musique et d'essayer de répondre à la demande de quantité. Je me souviens de ma première expérience dans un grand studio à Los Angeles. J'ai eu l'occasion de travailler avec un grand artiste. Avant même que l'artiste ne se présente, son manager est arrivé.
Il m'a d'abord dit "envoie-moi 20-30 beats que je pourrai passer en revue pour les artistes". J'étais avec quelques autres producteurs et ils ont tous envoyé des lots importants de beats. Le manager s'est ensuite branché sur les haut-parleurs et a parcouru tous les morceaux. Il n'écoutait que les 3 à 10 premières secondes avant de sauter.
Ce que j'ai remarqué, c'est que le rythme qu'il a choisi dans mon lot était un rythme que j'avais pris le temps de créer. Un beat que j'ai fait quand j'étais très inspiré et créatif. C'est l'un des rares rythmes qui a été transmis aux artistes parmi les centaines envoyés.
Cela vous montre que prendre le temps, s'inspirer et créer à partir d'un lieu d'inspiration plutôt qu'à partir d'un lieu de rapidité vous permettra d'atteindre vos objectifs plus rapidement que si vous vous précipitiez.
2. Personne ne s'intéresse à la façon dont vous avez créé votre rythme
Depuis des années, il y a un débat permanent entre les producteurs. La moitié des producteurs affirment que l'utilisation d'échantillons est une tricherie. L'autre moitié affirme que ce n'est pas le cas.
La vérité, c'est que tout le monde s'en fiche. Les artistes ne se soucient pas de savoir si votre beat n'est qu'un tas de boucles collées les unes aux autres. Votre ami ne se soucie pas de ce que vous avez utilisé pour faire le beat qui l'impressionne.
Tout ce qui compte, c'est de faire de la bonne musique. Une musique à laquelle les gens peuvent s'identifier. C'est tout.
Donc, si l'utilisation d'échantillons vous aide, faites-le. Si l'utilisation d'outils améliore votre musique, faites-le. En fin de compte, les gens qui deviennent vos fans se moquent de savoir comment vous avez fait votre musique. C'est tout.
3. Vos performances attirent l'attention, mais c'est votre personnalité qui remporte les opportunités
Une chose que l'on néglige dans la création de rythmes est que les producteurs se laissent emporter par l'idée que tout ce qui compte, c'est d'avoir de bons rythmes.
La vérité, c'est que si vous voulez travailler avec des artistes, vos rythmes ne sont pas la seule chose qui compte. Il est tout aussi important d'être sympathique et agréable à côtoyer.
Personne ne veut s'associer à un homme distant, froid ou qui agit trop froidement.
Par conséquent, vous devriez consacrer une partie de votre temps à l'amélioration de vos compétences en matière de communication. Surtout si vous souhaitez travailler avec d'autres artistes ou producteurs.
Lorsqu'il s'agit de produire pour d'autres, c'est 80 % de communications et 20 % de rythmes. Le gars qui travaille en réseau et qui reste en contact avec les gens aura plus d'opportunités que le gars qui reste assis chez lui à faire des beats toute la journée.
4. Ne pas se focaliser sur le résultat
Beaucoup de producteurs pensent au résultat avant de créer. Cela rejoint la notion de quantité par rapport à la qualité. Souvent, les producteurs se disent : " Si je fais ce type de beat, j'aurai plus de vues, plus d'argent, etc. Mais on ne peut pas prédire comment les gens vont réagir.
Au contraire, vous devriez créer à partir d'un lieu d'inspiration et de créativité. Pas à partir d'un lieu de résultats. Parce que lorsque vous créez avec inspiration, les gens peuvent généralement le sentir et graviter vers cela plutôt que vers quelque chose que vous avez créé dans l'espoir d'obtenir quelque chose de transactionnel.
5. Votre producteur préféré avait l'habitude de "craindre" et de trop réfléchir
Personne ne commence par être génial. Les producteurs que vous admirez ont un jour produit des rythmes rugueux, ont constamment douté d'eux-mêmes et ont réfléchi à chaque mouvement.
La différence, c'est qu'ils ont continué. L'habileté vient du fait que l'on passe par cette phase de désordre et que l'on continue à créer même si l'on ne se sent pas assez bien. N'oubliez pas que ce qui vous semble "nul" aujourd'hui n'est que le processus d'amélioration.
Conclusion
Après avoir travaillé dans ce secteur pendant plus de 10 ans, voici quelques conseils clés que j'aurais aimé connaître plus tôt. Faire de la musique est un processus créatif. Cela devrait être amusant, excitant et gratifiant. Ces conseils vous aideront, je l'espère, à atteindre cet objectif et à éviter de transformer la musique en quelque chose d'épouvantable.
